Geraer Otto Dix-Sammlung

Das Otto-Dix-Haus in Gera ist das Geburtshaus des Malers Otto Dix, es steht am Mohrenplatz 4. Das denkmalgeschützte Haus wurde 1991, zum 100. Geburtstag von Otto Dix, ein Kunstmuseum, das auf zwei Etagen ausstellt.

Die Kunstsammlung Gera beherbergt 400 Arbeiten auf Papier und Gemälde von Otto Dix. Darunter befinden sich Hauptwerke aus allen Schaffensphasen: von den impressionistischen Anfängen des Volksschülers in der Thüringer Landschaft bis zum letzten Selbstporträt mit Enkelin Marcella aus dem Todesjahr 1969.


Das Otto-Dix-Haus präsentiert neben den eigenen Beständen auch hochrangige Dauerleihgaben der Otto-Dix-Stiftung Vaduz. Die grafische Sammlung umfasst Skizzenbücher aus der Jugendzeit, Aquarelle und Zeichnungen der 20er- und 30er-Jahre sowie das Meisterwerk des Kriegszyklus mit 50 Radierungen (1924) und späte Farblithografien. Einzigartig sind 48 gezeichnete Feldpostkarten aus dem Ersten Weltkrieg.

Die Geraer Dix-Sammlung ermöglicht einen charakteristischen und zugleich spezifischen Überblick über die Werke von Otto Dix.


Weblinks:

Kunstsammlung Gera / Otto-Dix-Haus - www.gera.de

Otto Dix 125. Geburtstag - www.gera.de

Literatur:



Otto Dix: Der unerschrockene Blick. Eine Biographie von Olaf Peters


Otto Dix: 1891 - 1969. Leben und Werk von Ingo F. Walther und Eva Karcher



Otto Dix. Zum 100. Geburtstag, 1891-1991 von Wulf Herzogenrath

»Nighthawks« von Edward Hopper

»Nighthawks« (»Nachtfalken«, sinngemäß: »Nachtschwärmer«) ist ein 1942 entstandenes Ölgemälde des amerikanischen Malers Edward Hopper. Das Bild gilt als Hoppers bekanntestes Werk und wird als eines der herausragendsten Werke amerikanischer Malerei angesehen. Das 84,1 × 152,4 cm große Gemälde befindet sich heute zusammen mit weiteren Werken Hoppers im »Art Institute of Chicago« in Chicago.

In Öl auf Leinwand entstand „Nighthawks“ während des goldenen Zeitalters des Hollywood-Kinos. Das nächtliche Kunstlicht der Szene schafft eine ruhige, doch auch angespannte Atmosphäre, die nicht ganz sicher zu sein scheint. Zu sehen ist ein Diner (eine typisch amerikanische Kombination aus Restaurant und Bar) namens Phillies zu späterer Stunde, in dem vier Charaktere wie in einer Momentaufnahme zu sehen sind. Die Inspiration dafür holte sich Hopper von einem Lokal an einer Straßenkreuzung in der New Yorker Greenwich Avenue in Greenwich Village, wo er jahrelang lebte.

Ein weiterer Einfluss kam von Ernest Hemingways Kurzgeschichte „The Killers“ (1927), die unter anderem ein Diner im Licht der Straßenbeleuchtung beschreibt und 1946 verfilmt wurde. Eine andere Quelle der Inspiration war Van Goghs Gemälde „Caféterrasse am Abend“ von 1888, bei dem er das Nachtleben in Cafés darstellte, in denen die Zeit stillzustehen scheint. Der Kontrast zwischen Rot- und Grüntönen und das zarte Gelb der Beleuchtung von Van Goghs Gemälde finden sich auch in Hoppers „Nighthawks“.

Weblink:

„Nighthawks“ von Edward Hopper - blog.singulart.com/de

Die Kunstbewegung »Der Blaue Reiter«

Die Kunstbewegung »Der Blaue Reiter« stellte eine Revolution in der Kunst durch Farbe und Form dar.

Es steckte sehr viel Zeitkritik in ihren Werken und Schriften. Sie kritisierten den Materialismus des 19. Jahrhunderts als Folge der Industrialisierung und bemängelten auch den zunehmenden Nationalismus am Vorabend des Ersten Weltkriegs 1914. Seltsam ist, warum Franz Marc, 1880 als Sohn einer Elsässerin geboren, den Ersten Weltkrieg als notwendig erachtete und gegen die Franzosen kämpfte. Im Alter von nur 27 Jahren starb er in Verdun.

Während sich Wassily Kandinsky in seinen Kompositionen und Improvisationen im Laufe der Jahre komplett vom Gegenständlichen löste, hielt Marc mit seinen schlafenden Pferden oder Hunden noch an einer Körperlichkeit fest.

»Je tiefer das Blau wird, desto mehr es ruft den Menschen in die Unendlichkeit.«
Wassily Kandinsky
Diese neue Bewegung in der Kunst war ein Kind ihrer Zeit.

Am Neujahrstag 1911 fand ein historisches Treffen statt, das später die Kunstgeschichte verändern sollte: Wassily Kandinsky hielt sich - wie so oft - in der Atelierwohnung der russischen Künstlerin Marianne von Werefkin in München auf, die in ihrem Salon regelmäßig Maler der Avantgarde empfing. Erstmals tauchte auch Franz Marc als Gast auf. Er verstand sich auf Anhieb mit Wassily Kandinsky. Die beiden verbrachten gleich den ganzen Tag miteinander und besuchten am Abend noch ein Konzert von Arnold Schönberg.

Aus dieser Begegnung entwickelte sich eine intensive Freundschaft, in der die Maler sich intensiv über die Reform der Kunst
austauschten. Sie schrieben sich Briefe und Postkarten, und sie schenkten sich Kunstwerke: 1911 schickte Wassily Kandinsky seinem Freund das Gemälde "Improvisation 12", ein paar Monate später bedankte sich Franz Marc, indem er dem Russen ein Hinterglasgemälde mit einem Porträt des Franzosen Henri Rousseau vermachte. 1912 schließlich formulierten die seelenverwandten Künstler im Almanach "Der Blaue Reiter" gemeinsam ihre Ideen von der "Neuen Kunst". Er wurde zum Synonym für den Aufbruch in künstlerisches Neuland.

Der Erste Weltkrieg beendete den für die moderne Malerei des 20. Jahrhunderts prägenden Aufbruch des Blauen Reiters. Nicht nur Marc, sondern auch sein Künstlerkollege August Macke fiel an der Front. Wassily Kandinsky hielt nichts in Deutschland. Im Gegenteil, er musste das Land verlassen, nachdem Deutschland Russland den Krieg erklärt hatte. Gemeinsam mit seiner damaligen Lebensgefährtin Gabriele Münter floh er in die Schweiz und reiste von dort allein nach Moskau weiter.


Das Lenbachhaus in München besitzt die weltweit größte Sammlung zur Kunst des »Blauen Reiter«, einer der bedeutendsten Künstlergruppen der Avantgarde zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Diesen Umstand verdankt das Museum in erster Linie der großzügigen Stiftung von Gabriele Münter, der Malerin und Lebensgefährtin von Wassily Kandinsky bis 1914. Anlässlich ihres 80. Geburtstags 1957 machte sie dem Lenbachhaus über 1000 Werke des »Blauen Reiter« zum Geschenk.

»Franz Marc-Museum« in Kochel am See

Im »Franz Marc-Museum« in Kochel am See kann man den weitläufigen Garten mit dem Ausblick auf den Seen und die Landschaft in den verschiedensten Blautönen wahrnehmen. "Franz Marc war magisch angezogen von dieser Landschaft", weiß Cathrin Klingsöhr-Leroy, Direktorin des Franz Marc Museums.

Die oberbayrische Landschaft hat die beiden Maler, die hier auf Motivsuche waren, inspiriert. Bedeutende Anregungen empfingen die Maler  zeitlebens aus dieser Landschaft Das von Franz Marc und Wassily Kandinsky so genannten "Blaue Land", die Region um Murnau, könnte seinen Namen vom türkisblauen Kochelsee haben, mit dem Herzogstand im Hintergrund. Schon seit seiner Kindheit waren Franz Marc Seen, Moore, Hügel und Berghänge, die Gerüche und Farben, vertraut. Als Student der Kunstakademie in München zog es ihn immer wieder hinaus aufs Land. Hier malte er, inspiriert und meist in sich gekehrt, auf der Suche nach dem Wesen der Landschaften, Menschen und Tiere. 

Es ist eine Landschaft, die geprägt ist von einer großen Farb-Intensität durch die Berge, die vielen Seen, durch das Licht bei Sonnenaufgängen. Wenn man hier lebt, nimmt man wahr, dass die Farbe Blau sehr präsent ist, wie eine Art Schleier, der sich über alles legt. Man kann verstehen, dass es den Begriff 'Blaues Land' gibt.

Franz Marc verband ein besonderes Verhältnis mit der Farbe Blau, brachte er diese Farbe doch in seinen Bilder besonders zur Geltung.

Die Farbe Blau spielte in den expressionistischen Werken und im Leben von Franz Marc eine besondere Rolle und taucht in seinen Gemälden immer wieder auf. 1912 veröffentlichte Franz Marc zusammen mit Wassily Kandinsky seine kunsttheoretischen Ansichten in dem Almanach "Der Blaue Reiter". Entstanden sind die Ansichten im "Blauen Land", wie die Künstler die liebliche Region rund um Murnau in Oberbayern genannt haben. Beide Künstler haben in Kochel am See eine zeitlang gelebt und gemalt.

"Das Auge wird durch Schönheit und andere Eigenschaften der Farbe bezaubert", beschrieb Wassily Kandinsky in dem Traktat "Über das Geistige in der Kunst" die Wirkung von Farben. Und er ging davon aus, dass Farben eine "seelische Vibration" im Betrachter auslösen können. Blau, schreibt er, könne als etwas Glattes, Samtartiges empfunden werden, sodass man die Farbe gern streicheln würde.

Musée Fesch in Ajaccio

Das Musée Fesch in Ajaccio ist das zentrale Kunstmuseum  auf Korsika. Es befindet sich im geschlossenen Palais Fesch im Stadtteil Borgu d'Ajaccio. Es wurde von Napoleons Onkel, Kardinal Joseph Fesch, in Feschs Geburtsort gegründet.

1837 errichtete Napoleon Bonapartes Onkel das Palais Fesch und machte es zu einem der größten Museen in ganz Frankreich und zum größten auf Korsika. Das Museum wurde im 21. Jahrhundert intensiv renoviert und eröffnete erst im Juni 2010 Besuchern wieder seine Pforten. Durch die zwei Jahre andauernde Renovierung sollen die Kunstwerke jetzt noch besser geschützt sein, da das korsische Klima für die wertvollen Gemälde alles andere als optimal ist. Wie es auch in anderen großen Museen üblich ist, werden die Gemälde streng überwacht, damit nicht nur Diebstahl, sondern auch kleine Dinge wie Luftfeuchtigkeit und Temperatur genau dokumentiert werden können.

Seine Bestände unterteilen sich in drei Themen: Italienische Malerei, die napoleonische Sammlung und die korsischen Maler. Bekannt ist es jedoch vor allem für die Sammlung italienischer Gemälde, denn diese ist die zweitgrößte nach dem Louvre.

Unter anderem findet man hier Kunstwerke von berühmten Malern wie Botticelli, Veronese, Poussin, Tizian, des Barons Gérard und noch vielen anderen. Eines der berühmtesten Gemälde, das sich in diesem Museum findet, ist die "Jungfrau mit Kind" von Sandro Botticelli. Außerdem hat das Museum auch eine erstaunlich große Sammlung an Porträts der Familie Bonaparte. Durch das neue Hängesystem wird dieser Teil des Museums deutlich in den Vordergrund gerückt. Auch der Name des Museums wurde nach der Renovierung geändert, denn es trägt in Zukunft den Namen "Museum der bildenden Künste" oder auf Französisch "Musée des Beaux-Arts".

»Frau mit Sonnenschirm in einem Garten« von Auguste Renoir

Beim Malen in der freien Natur entwickelte Renoir seine einzigartige Malweise, mit der er das Gesehene unmittelbar auf die Leinwand bannte. Seine Werke strahlen Wärme und Sanftheit aus und sind von wundersamen Motiven des Glücks, der Ruhe und Verbundenheit geprägt.

Literatur:


Gärten der Künstler von Jackie Bennett, Richard Hanson

»Bildnis eines jungen Mannes« von Filippino Lippi

»Bildnis eines jungen Mannes«, Filippino Lippi, um 1480/85.

Holz, 52,1 x 36,5 cm, Washington, National Gallery of Art, Andrew W. Mellon Collection.

»Kreidefelsen auf Rügen« Caspar David Friedrich

Caspar David Friedrich (1774-1840),

»Kreidefelsen auf Rügen« (ca. 1818)

Öl auf Leinwand, 90.5 × 71 cm

Museum Oskar Reinhart, Winterthur

»Die Barke« von Édouard Manet

Im Sommer des Jahres 1874 trafen sich so namhafte Impressionisten wie Alfred Sisley und Auguste Renoir in Argenteuil. Auch Édouard Manet und Claude Monet hatten sich dort eingefunden.

In diesem Ort, direkt an der Seine gelegen, malte Manet seinen wiederum malenden Freund Monet und dessen Frau an Bord einer kleinen Barke. Manet hat dieses Bild im hellen Licht eines sonnigen Sommertages gemalt und hat Monet bei ebensolcher Tätigkeit an Bord seiner kleinen Barke dargestellt.

Scheinbar zufällig hat der Blick das Boot, den Freund und dessen Frau erfasst, das glitzernde Wasser, Ufer, Boote und einen Streifen Himmel in zartem Blau – so locker, so skizzenhaft ist die Malweise. Diese Lockerheit des Pinselduktus verleiht dem Bild in Verbindung mit dem hellen Licht, den leuchtenden Farben und der geschwungenen Bootsform mit Sonnensegel einen heiteren Charakter, an dem auch der Dargestellte in seiner sommerlichen Kleidung teil hat.

Der Menschenschilderer Manet vermag aber zugleich die Konzentration Monets beim Malen zu vermitteln, indem er ihn in vollem Profil vor dem blauen Grund der Kajütenwand konzentriert auf sein Werk blicken lässt.

Weblink:

Die Barke - www.pinakothek.de

»Impression, Sonnenaufgang« Claude Monet

»Impression, Sonnenaufgang« Claude Monet (1872)

Der in Frankreich geborene Claude Monet (1840-1926) war der Begründer der französischen Impressionistenbewegung. Er führte die Bewegung an, indem er seine Wahrnehmungen vor der Natur in seinen Pleinair-Landschaftsbildern zum Ausdruck brachte. Tatsächlich wurde der Begriff »Impressionismus« als Kunstgattung nach Monets Gemälde »Impression, Sonnenaufgang« von 1872 geprägt. Monets stimmungsvolles und ausdrucksstarkes Gemälde begründete eine ganze Kunstrichtung.

Monet ist berühmt geworden für seine wunderschönen Porträts der französischen Landschaft, insbesondere seines eigenen Gartens und des mit Seerosenblättern gefüllten Teichs in seinem Haus in Giverny. Hier malte er seine berühmte Serie der Seerosen, neben einigen anderen berühmten Landschaftsbildern im Stil des Impressionismus. Sein Verständnis für die Wirkung des Lichts auf die Farben der Gegenstände war besonders einflussreich für die nachfolgenden Impressionisten.

Das Kunstmuseum Moritzburg Halle

Das Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale) ist das Kunstmuseum des Landes Sachsen-Anhalt. Gegründet wurde es 1885 als Museum für Kunst und Kunstgewerbe der Stadt Halle (Saale).

Das Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale)ist ein weltweit einzigartiger Ort für das Erlebnis von Kunst und Architektur Wie an kaum einem anderen Ort auf der Welt vereint das Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale) moderne Kunst in der baulichen Hülle einer spätmittelalterlichen Bischofsresidenz.


Wie an kaum einem anderen Ort auf der Welt vereint das Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale) moderne Kunst in der baulichen Hülle einer spätmittelalterlichen Bischofsresidenz. In der über 500 Jahre immer wieder veränderten Architektur bewahrt und präsentiert das Museum als Kunstmuseum des Landes Sachsen-Anhalt Werke der bildenden und angewandten Kunst von der Antike bis in die Gegenwart.

Kunst und Architektur bilden eine beeindruckende Einheit, die Sie zum Entdecken, Verweilen und vor allem in den Sommermonaten zum Genießen des Erlebten im Café im einzigartigen Innenhof der Vierflügelanlage inmitten des Zentrums der Stadt Halle (Saale) einlädt.

Die neue Sonder­­ausstellung im Kunst­museum Moritzburg Halle (Saale) Kunst erleben! Führungen, Kindergeburtstage, Vorträge, Ferienworkshops und vieles mehr!

Weblinks:

Kunstmuseum Moritzburg | Halle (Saale)

Das Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale) - Kulturstiftung Sachsen-Anhalt

»Der Seerosenteich« von Claude Monet

In dem französischen Dorf Giverny im Département Eure (Normandie) befindet sich das ehemalige Domizil des impressionistischen Malers Claude Monet (1840–1926).

Der Künstler mietete das Haus im Mai 1883 und legte dahinter zunächst den genannten Ziergarten an, den er mit einer wuchernden Blumenpracht überzog. Im November 1890 war es dem Maler möglich, das Haus und das Grundstück zu kaufen.

Monet zog von Paris nach Giverny und legte dort im Garten einen Seerosenteich an. Im hohen Alter stand er an seinem Seerosenteich in seinem Garten in Giverny und malte diesen immer wieder.

1893 erweiterte Monet den Garten, den mittlerweile sechs Gärtner pflegten, um ein Stückchen Land an der Epte. Dort entstand in den folgenden Jahren der sogenannte Jardin d’eau oder Wassergarten mit dem von einer Brücke nach japanischem Vorbild überspannten Seerosenteich, welcher in seiner Schönheit der gärtnerischen Anlage Monet sehr häufig als Motiv dienen sollte.


Monet liebte die Gartenkunst, las Fachliteratur und besuchte Gartenausstellungen. Der Garten diente ihm nicht nur zur Erholung, sondern inspirierte ihn auch für seine Gemälde. Monet war dieser Garten geheimer Rückzugsort, Inspirationsquelle, Heim und Freiluftatelier.

Der Garten bot dem Maler eine Fülle von Impressionen. Der Impressionist Claude Monet hat den Garten in Giverny in Hunderten von herrlichen Gemälden festgehalten und kein Bild glich dem anderen.

Sein berühmtes Gemäle »Der Seerosenteich«, entstanden im Jahr 1899, ist dieser gestalteten Gartenkunst von Giverny entnommen. Das Gemälde markiert den Beginn seines Spätwerkes seiner Kunst

Literatur:


Gärten der Künstler von Jackie Bennett, Richard Hanson

Gedanken zur Kunst

Kunst ist heute mit Kommerz eng verwoben. In der elitären Kunst ist gute Kunst selten geworden. Das Elitäre dominiert über das Seltene.

Abgesehen davon, dass gute Kunst selten geworden ist, fällt aber immer noch auf, wie elitär die Kunst geworden ist. Wer gut verkauft, das wird nicht mehr durch Qualität allein entschieden, sondern durch Connections und nicht selten Ellenbogen. Die Kunst wird sich davon nicht kurieren, solange das Geld herrschendes Prinzip in der Welt bleibt.

Etliche Künstler um 1900 beschworen den Zusammenhang zwischen Kunst und Leben. Damals eine Sache der Architektur vor allem (und neuer Baustoffe). Hat man heute völlig verworfen. Wie man sich in einem Haus fühlt ist unwichtig. Wichtig ist, dass der Bauherr günstig bauen und gut absahnen kann.

»Der Schrei« von Edward Munch

Das Museum enthält Edward Munchs berühmtes Gemälde »Der Schrei«. »Der Schrei« von Edvard Munch ist das Bild über die Angst schlechthin. Der Künstler suchte Halt in der Religion, fand ihn aber nicht. Und so begleitete den 1863 geborenen Norweger die Lebensangst, seit er denken konnte. Sein Leben und sein Werk spiegeln das Grundgefühl der Moderne.

Der aufgerissene Mund klafft wie ein riesiges Loch. Die beiden Hände halten rechts und links einer Zange gleich den übergroßen Schädel zusammen. Starr liegen die Pupillen in ihren kreisrunden Höhlen. Die schmächtige Gestalt besitzt wenig Kontur, kaum Festigkeit, so als hätte sie ihre ganze Kraft in diesen großen Schrei hineingetrieben.

30 Jahre alt ist Edvard Munch, als er 1893 sein berühmtestes Bild malt – „Der Schrei“. Das auf Karton in Öl, Tempera und Pastell gehaltene Gemälde wurde zum Inbild für das Grundgefühl der Moderne – die Angst. Für den Künstler etwas, was er seit frühester Jugend kennt:

„Die Lebensangst hat mich begleitet, seit ich denken konnte.“

So ist es auch an jenem Abend. Er ist mit zwei Freunden unterwegs, ein Stück außerhalb der Stadt Christiania, dem späteren Oslo, wo er seit einigen Jahren lebt:

„Dann ging die Sonne unter, der Himmel wurde plötzlich blutrot. Ich hielt an, lehnte mich todmüde an das Geländer. Über dem blauschwarzen Fjord und der Stadt lag der Himmel wie Blut und Feuerzungen. Meine Freunde gingen weiter, und ich stand allein, zitternd vor Angst. Mir war, als ging ein mächtiger, unendlicher Schrei durch die Natur.“

Entsetzlich ist dieser Schrei. Längst ist er durch den klaffenden Mund hinaus in die Welt entwichen und hat alles erfasst – den tiefdunklen Fjord, den blutigroten Himmel. Die Welt hat diesen Schrei aufgenommen und wirft ihn nun tausendfach auf den von Angst Gequälten zurück.

Weblink:

https://www.deutschlandfunk.de/angst-in-der-moderne-entlang-einer-bodenlosen-tiefe.2540.de.html?dram:article_id=398147
„Entlang einer bodenlosen Tiefe“

»Dorf im Winter« von Joos de Momper

»Dorf im Winter« von Joos de Momper Öl auf Eichenholz Abmessungen 44 x 73 cm Hamburger Kunsthalle

Joos de Momper gilt als einer der einflussreichsten flämischen Landschaftsmaler. Man rechnet ihm den Übergang von den Manieristen zu den Naturalisten in der holländischen Landschaftsmalerei zu. Auch sein Vater, sein Opa und Uropa hatten schon diesen Beruf gewählt. Insofern war es kaum verwunderlich, dass der junge Joos schon im Alter von 17 Jahren als Meister in die Antwerpener Lukasgilde aufgenommen wurde. Seine Fantasielandschaften malte er häufig von einem erhöhten Standpunkt aus.

Joos de Momper hinterließ mehr als 60 Winterbilder. De Momper liebte offenbar die kalte Jahreszeit, denn er hat mehr als 60 Winterbilder („Wintertjes“) hinterlassen.

Dabei machten Kritiker einige Vorlieben für bestimmte Farben aus. Im Vordergrund malte er gern in Grün und Braun, den Hintergrund hielt er gern in Blautönen. Bei einem Winterbild wie diesem galten natürlich andere Prämissen.